[Rassegna Argentina vol.1]

Buenos Aires (photo © Horacio Coppola)

In questi giorni sulle testate italiane sono usciti vari articoli sull’Argentina. Il N. 868 del settimanale Internazionale, in edicola dal 15 al 21 Ottobre scorso, viaggia verso Buenos Aires grazie a un articolo (a p. 68) tratto da Ulysse – magazine francese sulla cultura del viaggio – uscito appena un giorno prima anche sul quotidiano Le Monde. Un breve quanto denso reportage socio-culturale redatto da Marie-Berthe Ferre e fotografato da Patrick Bard tra la Boca, Palermo, Puerto Madero e la Recoleta, e corredato da qualche indicazione pratica della redazione di Internazionale. On line si trova la versione originale francese (qui) con varie foto e video, tra cui un breve tour nello storico Café Tortoni, eccolo. Sul numero 5 del 2010 del bimestrale della FICE, Vilcinema, a p.21 il regista Fernando ‘Pino’ Solanas racconta il suo impegno politico, il movimento “politico, sociale e culturale” che ha costituito nel 2002, Proyecto Sur, e parla della sua candidatura alle presidenziali del 2011 e del suo potenziale corrispettivo italiano, Nanni Moretti. Potete leggere l’intervista di Davide Zanza, in cui si parla anche di cinema chiaramente, scaricando il pdf di Vivilcinema, qui. Su D di Repubblica uscito due giorni fa  (ANNO 15° N.716 del 23 Ottobre 2010) in allegato a La Repubblica a p.142 Francesca Caferri accenna alla “guerra” vinicola tra Cile e Argentina e conclude con un parallelo davvero azzeccato: “Provate a dire a un cileno che quel Malbec ‘bottled in Buenos Aires’ che avete bevuto qualche tempo fa era buonissmo: sarebbe come dire a un francese che il Chianti è migliore del Bordeaux”. Se la storica rivalità tra Cile e Argentina ha un aspetto sano, la concorrenza sul vino può farne parte. Su La Repubblica invece le pagine culturali di R2 stranamente segnalano l’uscita di Maldito tango, album di (Daniel) Melingo in realtà distribuito in Italia da Self dal 2008. A meno che sia stato ristampato, ma non mi risulta, credo sia una svista. Segnalo infine sul blog Latinoamerica Express del quotidiano L’Unità, una bella critica de Il fioraio di Perón (romanzo di Alberto Prunetti di cui s’è già parlato su questo blog, qui e qui) firmata da Fabrizio Lorusso, qui.

[ANIMAL KINGDOM]

È appena uscito il quinto numero del 2010 del bimestrale della FICE, Vivilcinema, che trovate gratis in vari cinema italiani (oltre che in free download in pdf qui). A p.38 potete leggere la mia recensione di Animal Kingdom, film scritto e diretto da David Michôd in uscita in Italia il prossimo 30 Ottobre distribuito da Mikado. Qui di seguito la recensione.

Gli spietati vivono a Melbourne, Australia. David Michôd, originario di Sidney, ambienta nella sua città d’adozione un dramma criminale pregno di un cinismo esasperato. I precedenti cortometraggi dell’autore australiano, proiettati e premiati nei maggiori festival internazionali (compreso Venezia), hanno creato un’aspettativa tale da permettergli di giungere nel migliore dei modi al lungometraggio d’esordio. La storia, concepita da Michôd nove anni fa ma poi stravolta per la messa in scena, segue le disavventure di J (l’esordiente James Frecheville), diciassettenne che dopo la morte per overdose della madre si rivolge alla nonna materna, da cui era tenuto a debita distanza. Questa lo accoglie a braccia aperte in famiglia e quindi anche nel mondo malavitoso dei suoi figli Pope, Craig e Darren, che vivono di rapine e spaccio. J si troverà presto a dover fare i conti con una realtà che, oltre a un disagio già conosciuto (la scena iniziale è eloquente), lo mette di fronte alla morte. La vicenda infatti è scandita da una serie di omicidi tanto violenti (non nella messa scena ma nell’accadere) quanto freddi ed evitabili. “C’è un intero strato della società che opera al di sotto di quello che noi consideriamo morale e corretto” ha dichiarato Michôd. Una realtà, si può aggiungere, totalmente priva di punti di riferimento. La convivenza dei fratelli Cody con la mamma, Janine ‘Smurf’, li rende in privato dei bambini annoiati che giocano alla lotta, in pubblico dei criminali privi di qualsiasi strumento relazionale che non sia la violenza. Pope (Ben Mendelsohn), il fratello maggiore, sui quarant’anni, è il più perverso e pericoloso. A J, preso atto della complicità solo in apparenza distaccata della nonna, non resta che provare a fidarsi della polizia, rappresentata dal sergente Leckie (Guy Pearce), figura seria, rassicurante e con una vera famiglia che lo aspetta a casa. Ma J sa, sempre tramite i suoi zii, che parte della polizia è corrotta e flirta col crimine. “Questo fottuto mondo è pazzo” è la battuta finale di un film corale “ambientato in un mondo buio, brutto e pericoloso”, per usare le parole del regista. Un mondo filmato con rigore e realismo, senza autocompiacimento e voyeurismo, con una sicurezza narrativa che evita la giustificazione e si preoccupa di mostrare – si veda, in testa al film, come la macchina da presa scruta foto reali di atti criminali. Un esordio ambizioso che non a caso ha vinto il premio World Cinema nella sezione drammatica al Sundance Film Festival 2010.

[CINEMA ITALIANO: I TITOLI]

Tempo due o tre mesi e le testate di musica per cui scrivo mi chiederanno le playlist dell’anno. La rivista di cinema con cui collaboro, il bimestrale Vivilcinema, non ha invece l’abitudine di stilare classifiche annuali. Ci sono più festival di cinema col concorso di quanti non ce ne siano di musica ma i cinefili per lo più sono contrari alla competizione tra cineasti. Preso atto di ciò, ho deciso che verso la fine dell’anno pubblicherò le mie pellicole preferite del 2010 su questo blog. Stamattina ho dato una prima occhiata ai film usciti o in uscita nel 2010 (qui). Per il cinema avrebbe più senso segnalare la top ten stagionale, i film usciti tra settembre e giugno, perché, soprattutto in Italia, d’estate le uscite, a differenza della musica, avvengono col freno a mano tirato, sia per quanto riguarda l’importanza della produzione sia per il numero di prime visioni in sala. Ma il punto è un altro. A consultazione in corso mi sono saltati all’occhio una serie di film italiani che, senza volerlo, hanno dei titoli che danno un’immagine impietosa del nostro Paese. Sono film che non ho visto, dunque parlo per pregiudizi ma più che altro del significato attribuibile al titolo in sé. Cosa farò da grande, Ti presento un amico e Maschi contro femmine (a cui seguirà Femmine contro maschi) rimandano all’Italia che non cresce o a cui è impedito di crescere, immobile nelle solite strutture e dinamiche, viziata e dunque priva di iniziativa, ancorata al passato e ai luoghi comuni. Alta infedeltà, bel titolo purtroppo ripreso pari pari dal film a episodi del 1963 con un Tognazzi in spolvero diretto dal grande Monicelli (e dico purtroppo perché oggi il regista è Claudio Insegno, fratello del già miracolato – Aldo Grasso dice raccomandato -, Pino), oggi più che mai fa pensare all’Italia puttaniera e bigotta. Pipì Room (gli americani sono sempre avanti, vedi Panic Room), espressione inglese che in questo caso fa riferimento ai bagni viziosi delle discoteche milanesi nonché versione “elegante” di cesso, pare sia stato ideato da Jerry Calà per il suo “film sui giovani” prima del cosiddetto scandalo Hollywood. Un titolo da commedia di serie B anni ‘80. L’Italia retrograda dunque, nostalgica della presunta gloria che fu. La donna della mia vita è la frase fatta, un po’ retorica, tipica dell’Italia da bar, scelta (chissà con quali intenzioni) da Luca Lucini e Cristina Comencini, qui in veste di sceneggiatrice. Non manca il serial Manuale d’amore, giunto al terzo capitolo e stavolta addirittura con Robert De Niro nel cast. L’Italia del Maurizio Costanzo Show – e quindi degli Zecchi, degli Alberoni, dei Crepet, dei Meluzzi e via dicendo – ha fatto scuola. Con Un neomelodico presidente si arriva dritti all’Italia del presidente showman, la fusione tra Berlusconi e il suo Apicella.

In Italia le distribuzioni cinematografiche per questioni di marketing hanno l’abitudine di tradurre impropriamente i titoli dei film stranieri, spesso alterandone il senso, fuorviando o cercando di coinvolgere il pubblico di una precedente uscita di successo (tra i casi eclatanti Eternal Sunshine of the Spotless Mind che diventa Se mi lasci ti cancello oppure The Wackness che diventa Fa’ la cosa sbagliata). Ma abbiamo anche Lina Wertmüller che sui titoli dei film ha costruito un tratto del suo stile spiazzando i produttori che, come ha dichiarato la stessa regista romana, preferiscono i titoli corti, d’impatto. Insomma, pare che una parte dell’industria italiana del cinema dia ormai per scontato di doversi rivolgere al popolino (in alcuni casi perché da lì viene) coinvolgendolo prima di tutto col titolo. Nella musica e nella letteratura succede in misura minore. Parte del mondo del cinema dunque in questo segue l’esempio della tv: assecondare la deriva culturale italiana. No, perché pregiudizi o meno, certi titoli parlano fin troppo chiaro.

[Milano Film Festival: concorso lungometraggi]

Oggi si è conclusa la 15a edizione del Milano Film Festival. La giuria del concorso internazionale lungometraggi, composta quest’anno da registi che la rassegna ha ospitato più volte nei concorsi passati, ha eletto il miglior film all’unanimità, proprio come accaduto una settimana fa a Venezia tra le polemiche (soprattutto per i legami tra Quentin Tarantino e Sofia Coppola…). La quantità minore di riflettori di costume puntati sulla rassegna milanese però ora come ora non sta dando luogo a controversie. Il documentario vincitore, On the Other Side of Life dei tedeschi Stefanie Brockhaus e Andy Wolff, oggi pomeriggio, a premio assegnato, è stato solo applaudito dal numeroso pubblico presente al Teatro dal Verme. Applaudito il giusto, senza ovazione: merito o colpa del tema trattato e di un finale spiazzante. Qui di seguito il mio racconto e qualche considerazione.

Lucky e Bongani nel cellulare della polizia prima di entrare in carcere

Inviato da Vivilcinema in questi dieci giorni di proiezioni milanesi ho visto una sessantina di opere programmate in diverse sezioni. La selezione del concorso lungometraggi (per la cronaca senza italiani), con dieci opere tra cui due documentari, mi è sembrata la più convincente e di qualità (ma una menzione speciale va a Soundoc). Considerando che a parte un caso, 3 Backyards dello statunitense Eric Mendelsohn (intervistato oggi sul domenicale del Sole24Ore), si tratta di opere prime, è un buon segnale (oltre che il motivo della diversità dei riflettori puntati su Milano rispetto a quelli veneziani). On the Other Side of Life rappresenta con forza una chiara direzione data alla selezione di tutto il festival di quest’anno. La coppia di registi tedeschi per questo documentario accompagna ovunque, giorno e notte, due fratelli ventenni della baraccopoli più ai margini di Città del Capo che vivono di espedienti e sono responsabili di un omicidio in attesa di giudizio. L’incontro/scontro tra l’occidente e il sud del mondo, presente in molte opere selezionate dalla rassegna, qui avviene fuori campo ma senza mezzi termini, in una simbiosi tra due giovani artisti provenienti dall’Europa benestante e due ragazzi di vita dell’estrema periferia africana. L’irruenza di tale cinema rimanda a Werner Herzog, per esempio a quanto dice al suo attore feticcio Klaus Kinski nel documentario Kinski – Il mio nemico più caro: “[...] il film è più importante dei nostri sentimenti personali, ed è più importante di noi stessi”. Stefanie Brockhaus e Andy Wolff seguono la marginalità (altro tema chiave del festival, ricorrente in vari film) passo dopo passo, anche in carcere, fin dentro una cella, o nelle feste notturne alcoliche e senza regole delle township, coscienti che la presenza della videocamera (per più versi straniera) sia inopportuna e alteri quella faccia della vita igno(ra)ta (d)ai più e che ogni immagine di questa opera prima vuole restituire senza l’ipocrisia e la retorica da reality. Grazie a questa coscienza, che si tramuta in estrema attenzione, il conflitto, rappresentato dalla semplice presenza in quei paesaggi, tra quella gente, dei due autori, resta fuori campo ed esclude automaticamente il punto di vista etnocentrico lasciando il grosso dei giudizi morali allo spettatore e alle sue interpretazioni. Quando i due protagonisti, Lucky e Bongani, tendono la mano verso la tradizione culturale dei loro antenati, allontanandosi dal degrado urbano, crollano le ultime resistenze dello spettatore, che si identifica completamente coi giovani. Nel finale però ecco che i registi mostrano, senza censura, l’ultima faccia in campo, quella del morto. Come ad aprire una nuova storia che resta in sospeso.

[Jeffrey Friedman: intervista]

Approda in questi giorni in vari cinema italiani (qui trovate l’elenco) il nuovo numero del bimestrale della FICE, Vivilcinema, a cui ho contribuito con una breve intervista a Jeffrey Friedman, uno dei due registi di Urlo (Howl). Il film è distribuito in Italia da Fandango ed è in programma nelle sale dallo scorso 27 Agosto. Allen Ginsberg, l’autore del poema, è interpretato da James Franco, che si era già messo in luce poco meno di due anni fa a fianco di Sean Penn in Milk. Non a caso tra i produttori esecutivi di Urlo figura Gus Van Sant.

Lo scorso 23 Giugno il regista californiano Jeffrey Friedman è intervenuto al 24° Festival Mix Milano, rassegna dedicata al cinema gay-lesbico e alla cultura queer. Se la ricerca sulla censura compiuta da Friedman con il suo socio Rob Epstein in The Celluloid Closet (Lo schermo velato – 1996) si concentrava proprio sul mondo gay, in Howl questo aspetto non è predominante. D’altronde l’omonimo poema di Allen Ginsberg messo sotto accusa nel 1957 è plurale, qualità affidata sul grande schermo al reading e alle animazioni, elementi di discontinuità rispetto alla messa in scena del processo, centrale nella pellicola di Friedman ed Epstein.
Quando ha scoperto Howl?
Alle superiori: passava di mano in mano. Ricordo che ne colsi la portata rivoluzionaria, anche se alla fine degli anni ’60 tutto sembrava rivoluzionario; all’epoca non so quanto capii, di certo non che sarebbe diventato un pilastro della letteratura. L’ho riletto per iniziare a lavorare al film e mi ha colpito la capacità di shockare che conserva: è ancora considerato troppo forte, tanto che negli Usa non può essere letto nelle radio. Le tematiche che affronta, la militarizzazione, il consumismo, la disumanizzazione, l’emarginazione di chi la pensa diversamente, sono molto attuali. Senza calcolare l’impatto della liberazione sessuale: nel ’55 gli Usa erano totalmente conservatori e conformisti.
Quanto il processo ha contribuito alla fama del poema?
All’epoca è stata una causa davvero celebre, con ampia copertura mediatica; l’aula era sempre colma. Il fenomeno della cosiddetta letteratura beat è esploso pubblicamente proprio grazie al processo: Kerouack, Burroughs e gli altri hanno iniziato a pubblicare dopo la sentenza.
Lawrence Ferlinghetti (1919), editore di Howl e vero imputato del processo, è tra i pochi sopravvissuti dei beat; ha contribuito al film?
Abbiamo intervistato sia lui sia Peter Orlovsky – morto lo scorso 30 maggio – e probabilmente il materiale finirà negli extra del dvd. Ci hanno aiutato parecchio ma nessuno dei due ha visto il film. Abbiamo invitato Lawrence a due proiezioni ma è molto anziano e al suo posto sono venuti i tipi del suo City Lights Bookstore che hanno apprezzato. Peter non ha fatto in tempo a vederlo ma ha ricevuto una nostra lettera con la foto in cui James Franco e Aaron Tveit riproducono la posa di lui e Ginsberg schiena contro schiena seduti su una panchina.
La voce di James Franco pare modellata su quella di Ginsberg…
James ha ascoltato le registrazioni dei reading di Howl concentrandosi sul significato delle parole per poi interiorizzarle, renderle fisiche e trarne la musicalità. Non a caso oltre a essere un attore di spessore è un esperto di letteratura e un poeta culturalmente vicino ai beat, tanto che da anni frequenta il City Lights.

[Cinema in tv: Fame chimica]

In questi giorni su Cult è in programmazione Fame Chimica (2003), film di Paolo Vari e Antonio Bocola interpretato da Marco Foschi, Matteo Gianoli e Valeria Solarino e con musiche curate da Luca ‘Zulù’ Persico di Al Mukawama e 99 Posse. Qui di seguito potete leggere la recensione da me redatta all’epoca dell’uscita del film per Vivilcinema. Il film potete vederlo su Cult giovedì 15 Aprile alle 23 e Sabato 17 alle 3.30.

“Fame chimica” è un film sul conflitto. Sul conflitto sociale, tra differenti modi di vita, che può anche trasformarsi in odio. Già, l’odio, quel sentimento che ha dato il titolo al film più noto di Mathieu Kassovitz, con cui i paralleli, a quasi dieci anni di distanza, sono plausibili. Il paesaggio è quello periferico metropolitano, si tratta dunque di vite ai margini, ma in effetti tali solo per tutti i “centralisti” manovratori e per i loro fiancheggiatori; sì, perché in fin dei conti si tratta di vite che contribuiscono a una concreta evoluzione sociale. L’Italia in questione dieci anni fa non esisteva, soprattutto perché non era così multirazziale e così afflitta dalle spietate dinamiche del lavoro precario. Forse ancora oggi non esiste nei termini disegnati da Antonio Bocola e Paolo Vari, perché, seppure attaccata alla realtà, sempre di finzione si tratta, con le naturali forzature del caso. Lo sfondo comunque è quello del conflitto tra chi dovrebbe o potrebbe essere unito; così come quello del grande protagonista assente, fuori campo, ossia quel potere che, da spettatore, alimenta, dirige, sfrutta e reprime questo conflitto. Lo stesso potere che Pasolini nei primi anni Settanta definiva “nuovo”.
La metropoli dove si svolgono i fatti è Milano, una Milano per lo più inedita al cinema e lontana dal modello imposto all’immaginario collettivo: decrepita, frustrante, da fuga e, a parte rari casi, ottusa, paranoica e intollerante verso le minoranze. Tra questi rari casi c’è Claudio, il protagonista, cresciuto tra gli “zarri” (o coatti, per dirla alla romana), frequentatore di centri sociali e apparentemente senza una vocazione. La situazione di Claudio è privilegiata rispetto a quella dei suoi coetanei di quartiere, soprattutto perché a lui il lavoro dovrebbe negarglielo lo zio. Claudio tuttavia non si adagia sui suoi agi, anche grazie al suo rapporto con Manuel, “capo” degli zarri, pusher, nonché co-protagonista. I due danno infatti vita a un altro conflitto, ma sano in questo caso: la loro amicizia, la loro in fin dei conti inattaccabile unità, è proprio una risposta al potere che manovra. Anche la maggioranza degli altri abitanti del quartiere si uniscono, ma per modo di dire, formando un comitato per far innalzare un’altra recinzione a tutela dei propri interessi e di una presunta sicurezza.
La regia di Bocola e Vari sembra figlia di quel cinema d’autore nato come indipendente per imporsi, nel corso degli anni Novanta, a una buona fetta di pubblico: originali fotografie del presente, idee spesso convoglianti verso un’analisi sociale, magari qualche eccesso di citazionismo ma anche qualche interessante trovata registica. Con l’omonimo mediometraggio del 1997, degli stessi autori, questo lungometraggio ha in comune ambientazione, gergo “giovanile” ma, soprattutto, la presenza ingombrante della droga come fuga e consolazione, capace di mettere addosso quella fame chimica che, come dice il brano musicale degli Al Mukawama sui titoli di testa, “non sazierai mai”, ed è “assassina delle nostre idee”.
Il film è stato presentato alla 60ma Mostra Internazionale d’Arte Cinematografica di Venezia nella sezione Nuovi Territori.

[Preview: Gli abbracci spezzati]

[Ho pubblicato il seguente articolo su Vivilcinema Numero 3 (maggio-giugno 2009) col titolo 'Ombre di nero' all'interno dello Speciale Festival di Cannes 2009 (Vivilcinema è il Bimestrale d'informazione cinematografica edito dalla FICE, Federazione Italiana Cinema d'Essai). Lo pubblico su Blaluca in occasione dell'imminente usicta italiana, questo venerdì 13 novembre, del nuovo film di Pedro Almodóvar 'Gli abbracci spezzati' ('Los abrazos rotos'). Ai tempi dell'articolo - pubblicato mentre l'ultima edizione del Festival di Cannes era in pieno svoglimento -, come leggerete, l'uscita del film era prevista per i primi di Ottobre. Su Blaluca avevo già parlato de 'Gli abbracci spezzati', qui]

Da mesi in Spagna si dibatte sulla crisi del cinema nazionale. Nel pieno di questa discussione una coppia di registi di media fama, Alfonso Albacete e David Menkes, con Mentiras y gordas è riuscita nell’impresa che il nuovo film di Pedro Almodóvar, Los abrazos rotos, ha mancato: riportare il cinema spagnolo in vetta alle classifiche, sopra i colossi americani, incassando oltre 1,7 milioni di euro solo nel primo week-end di programmazione. Uscito lo scorso 18 marzo nelle sale iberiche e in arrivo in Italia ai primi di ottobre con distribuzione Warner Bros, il dramma dalle tinte noir e pop del regista di Donne sull’orlo di una crisi di nervi e Parla con lei, nel suo primo fine settimana in patria si è fermato al secondo posto nella classifica degli incassi; questo nonostante abbia speso una somma quattro volte superiore a quella impiegata da Albacete e Menkes. Ma la formula “vincente” di Mentiras y gordas non è rassicurante: i due registi hanno assoldato un gruppo di attori giovani, belli e già di successo grazie a varie serie tv (tra cui ‘Los Serrano’, che ha ispirato ‘I Cesaroni’) e li hanno portati sul grande schermo con una storia di sesso, droga e musica house; un film furbo, che ammicca in varie direzioni, mal recitato, raffazzonato e soprattutto modesto. Almodóvar, nonostante una massiccia campagna promozionale spinta dalla presenza nel film della prima attrice spagnola a vincere un Oscar, Penelope Cruz (alla sua prima uscita ufficiale dopo lo storico riconoscimento), ha subìto il tradimento di parte del pubblico spagnolo. Ma il suo pubblico per lo più non coincide con quello di Mentiras y gordas. Cosa è accaduto quindi?

Il motore narrativo de Los abrazos rotos, film marcato dalla presenza a più livelli del cinema nel cinema, è una storia d’amore osteggiata e passionale. Il personaggio messo in scena da Penelope Cruz, Lena, è uno dei due amanti in questione e incarna la tanto annunciata tinta noir del film: l’evoluzione del suo rapporto di riconoscenza e convenienza con un uomo facoltoso e molto più attempato di lei (Ernesto Martel, ben interpretato da José Luis Gómez) riprende alcune situazioni tipiche del filone noir, su tutte quella in cui la figura femminile vuole sottomettere il proprio compagno per liberarsi e appianare il corso della relazione con un altro uomo, il vero amore (ma questa ripresa in chiave moderna della dark lady avviene in maniera timida). Lena e il suo tragico destino muovono l’intera vicenda e a piccoli passi rivelano il passato del protagonista, Mateo Blanco, il suo amante, un regista cinematografico disilluso e non vedente interpretato da Lluís Homar. Lena è una protagonista in disparte: la sua sfuggente presenza ha creato, anche indirettamente, delle ombre nella vita degli altri personaggi, e queste delimitano il territorio noir del film. Il confine con questo noir, che non si affranca dalla condizione di ospite in casa di un altro film, è per lo più occupato da una sgargiante estetica pop tipica di Almodóvar, che si rende omaggio e fa autoironia mettendo in scena Chicas y maletas, film nel film (in cui la presenza in scena del rosso, già degna di nota nella storia “reale”, diventa ossessiva) e causa dell’incontro tra i due amanti. Così l’accostamento di noir e pop in più frangenti stride ma non dà mai vita a un vero e proprio conflitto stimolante, anzi produce una stonatura che sa di una scelta a metà, per cui alla fine si può parlare tout court di un film drammatico – Almodóvar ha curiosamente insistito parlando di noir. Per sbancare, Los abrazos rotos aveva bisogno di una dose di furbizia spudorata come quella di Mentiras y gordas; per esempio il regista manchego è perspicace nell’individuare le figure dei due personaggi giovani nel film, ma poi la loro descrizione sembra ancora una volta figlia di una scelta moderata. Pedro Almodóvar quindi in tempo di crisi non ha ceduto alla mercificazione del cinema come i registi di Mentiras y gordas, ma il suo pubblico si è sentito tradito quando non ha trovato in questo film tracce significative del suo radicalismo, della sua capacità e forza di provocare e spiazzare.
In questi giorni la presenza de Los abrazos rotos nel concorso del Festival di Cannes (affiancato, fuori concorso, dall’ambiziosa nuova produzione di Alejandro Amenábar, Ágora) rappresenta la speranza più concreta per il lancio internazionale del film e, magari, per un rilancio in patria. A priori però, e preventivamente proprio lo scorso 18 marzo, il Nostro ha fatto sapere che il suo prossimo film sarà una commedia aggiungendo, solo due giorni dopo, che non era sua intenzione assumersi la responsabilità di risollevare il cinema spagnolo.